En la escuela de Ruth St. Denis de Los Ángeles se formaron Marta Graham (1894 – 1991) y Doris Humphrey (1895 – 1959). Cada una de ellas creó un método que sigue estudiando los coreógrafos y bailarines de hoy. La primera planteó que debían expresarse las emociones a través de las contracciones pélvicas y la relajación al inspirar, y la segunda interpretó cada movimiento como el comienzo de una caída. De origen mexicano, José Limón (1908 – 1972) llevaría estas enseñanzas a un altísimo nivel de sofisticación en numerosos espectáculos. En este programa escucharemos tanto la música que se compuso para sus piezas de danza, como obras del repertorio clásico, entre los que Purcell y Vivaldi tienen un lugar especial.

Pese al enorme éxito internacional de los Ballets de Diáguilev, en Rusia el público no pudo disfrutar de sus producciones. Con el estallido de la Revolución de 1917, los teatros Mariinski y Bolshoi se colocaron en el punto de mira de los bolcheviques. Habían estado estrechamente vinculados a la corte de los zares, pero esto no impidió que la danza incorporara las innovaciones formales del constructivismo y se convirtiera al mismo tiempo en una herramienta de propaganda política. A partir de la década de 1930 se impuso el realismo socialista y, mientras algunos coreógrafos como Fyodor Lopukhov (1886 – 1973) dejaron de trabajar, otros como Leonid Yakobson (1904-1975) se adaptaron al nuevo estilo.

La escuela de arte Bauhaus quiso transformar la vida a través del arte y por eso mismo se ocupó de todas las disciplinas, incluida la danza. Oskar Schlemmer (1888 – 1943) era el profesor de pintura mural y escultura, pero más tarde comenzaría a enseñar escenografía. Con sus alumnos creo el vestuario y el movimiento del Ballet triádico, que se estrenó en Stuttgart con una partitura de Paul Hindemith, aunque estuvo a punto de usar la música de Schoenberg o de Handel. Mientras tanto, en los cabarets de las grandes ciudades de la República de Weimar, Valeska Gert (1892 – 1978), Walter Holdt (1899 – 1924) y Lavinia Schulz (1896 – 1924) hacían espectáculos que eran el precedente de la performance.

La nueva danza o danza expresionista tuvo un enorme desarrollo en la República de Weimar, dado que en Alemania, a diferencia de Rusia o Francia, no existía una tradición de ballet. Pronto se identificó con los principios de la lebensreform, el movimiento social que postulaba por el regreso a la naturaleza. La colonia-jardín Hellerau en Dresde o el sanatorio Monte Veritá en Suiza se convirtieron en laboratorios de experimentación de un nuevo lenguaje coreográfico. En este capítulo abordamos la trayectoria de Rudolf von Laban (1879 – 1958), que inventó un sistema de notación dancístico, y de Mary Wigman (1886 – 1973), Gret Palucca (1902 – 1993) y Harald Kreutzberg (1902 – 1969), que participaron en el espectáculo de clausura de los Juegos Olímpicos organizados por el III Reich de 1936. Nos acompaña la música de Richard Wagner y Carl Orff entre otros.

Al igual que Isadora Duncan se había inspirado en las figuras de las cerámicas griegas para proponer una danza del futuro, fueron muchas las bailarinas que se fijaron en el imaginario oriental para componer sus propias coreografías. Aunque en un primer momento se trataba de la excusa perfecta para bailar semidesnudas ante los ojos voraces del público, algunas de estas artistas trataron de ir un poco más allá: estudiaron las religiones asiáticas, reinterpretaron sus ritos y actuaron con músicos folclóricos. A partir de la década de 1920 Mata Hari (1876 – 1917) y Tórtola Valencia (1882 – 1955) ya habían dejado paso a Joséphine Baker (1906 – 1975), que también fue una estrella de la canción.

A imitación de los Ballets Rusos surgieron en Europa numerosas compañías similares. En España, donde Serguéi Diáguilev y su troupe habían pasado largas temporadas, el fenómeno coincidió con un momento de efervescencia cultural conocido como la Edad de Plata. Bailaoras, compositores, poetas y artistas protagonizaron un renacimiento de la danza. La Argentina (1890 - 1936), La Argentinita (1898 - 1945) y Vicente Escudero (1988 - 1980) exploraron las raíces del flamenco al mismo tiempo que dialogaban con la modernidad. El amor brujo de Manuel Falla es el primero de una serie de ballets españoles, entre los que también se encuentran los de Ernesto Halffter y Gustavo Pittaluga.

Después de la Primera Guerra Mundial Sérguei Diáguilev dio un nuevo impulso a su compañía. Entonces empezó a trabajar con artistas como Pablo Picasso, Jean Cocteau, Natalia Goncharova o Marie Laurencin. Léonide Massine (1896 – 1979) montó Parade de Erik Satie y El sombrero de tres picos de Manuel de Falla y Bronislava Nijinska (1891 – 1972), hermana del famoso bailarín, Las bodas de Igor Stravinsky. El último de los coreógrafos de los Ballets Rusos, George Balanchine (1904 – 1983), es el padre del ballet en EEUU.

En las primeras décadas del siglo XX, al mismo tiempo que surgían las vanguardias artísticas en Europa, el empresario y mecenas Serguéi Diáguilev revolucionó el mundo de la danza. La aparición del cine, el auge del cabaret y las Exposiciones Universales habían creado un nuevo tipo de espectador: un público que reclamaba experiencias más estimulantes. Diáguilev comprendió que el ballet no podía seguir encorsetado por los tutús de las bailarinas. Debía ser una obra de arte total, en la que sumaran sus esfuerzos músicos, libretistas y escenógrafos. Michel Fokine (1880 – 1942) y Vaslav Nijinsky (1889 – 1950) fueron los primeros coreógrafos de la compañía que estrenó, entre muchas otras obras maestras, El pájaro de fuego y La consagración de la primavera de Igor Stravinsky.